Devan Shimoyama crée de nouveaux récits mythologiques pour les hommes noirs queer

Dans son univers méticuleusement construit et élaboré avec glamour, l'artiste basé à Pittsburgh Devan Shimoyama défie l'objectivation du corps masculin noir comme intrinsèquement sexuel et comme cible politique. Les peintures audacieusement flamboyantes de la jeune femme de 29 ans interrogent les performances de la masculinité en public et en privé, et remettent en question les définitions de l'espace sûr et de la sensibilité masculine. Shimoyama enveloppe ses personnages - posant dans des salons de coiffure ou leurs salles de bain personnelles - de paillettes, de bijoux et de découpes de magazines, les plaçant dans des décors glamour accentués par des objets banals comme des produits de beauté, des livres, des fleurs ou même des serpents. Il saisit la persévérance queer et noire avec des couleurs éblouissantes et des coups de pinceaux exquis.

Ouverture demain au Andy Warhol Museum de la première exposition institutionnelle de Shimoyama : Cry Baby , qui abrite la sculpture et la photographie de l'artiste ainsi qu'une sélection de ses peintures récentes. L'exposition sera accompagnée de la série de Warhol, Mesdames et Messieurs (1974-75), pour lequel Warhol dépeint des drag queens anonymes de New York sur la base de leurs Polaroids, appliquant une peinture de maquillage sur une sérigraphie.

Les deux artistes... partagent une étreinte de vulnérabilité, explique la commissaire de l'exposition Jessica Beck à propos de l'association des œuvres de Shimoyama et de Warhol. Pour Shimoyama, il a pleinement embrassé un sentiment de force intérieure et de liberté dans son travail. Ce que cette exposition révèle finalement, c'est le développement de sa pratique depuis les premières représentations de personnages équilibrant les symboles de pouvoir et de perte dans des mondes mythiques, jusqu'aux scènes d'agence, d'acceptation de soi, de force dans les portraits ultérieurs de jeunes hommes se coupant les cheveux.

En prévision des débuts de Cry Baby, nous avons parlé avec Shimoyama de l'exposition et de la relation entre l'artiste et le sujet.

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Devan Shimoyama, Bébé serpent, 2016Collection privée, New York, avec l'aimable autorisation de l'artiste

La virgule dans le titre de l'exposition Cry Baby détourne le sens d'une expression généralement utilisée de manière péjorative. Pouvez-vous parler de votre utilisation de la virgule ici ?

Le but de la virgule dans le titre Cry, Baby est de récupérer un mot utilisé pour se moquer d'un individu sensible et de changer ce sens en quelque chose de nourrissant. Dans le titre, la virgule suggère qu'une personne doit pleurer, ou est autorisée à pleurer, à ressentir et à décompresser. Bébé dénote une suggestion d'une relation intime avec le sujet. De nombreuses œuvres de l'exposition utilisent des yeux collés de diverses femmes noires, représentant ma mère, ma tante et ma grand-mère - j'ai été élevée entourée de figures de mères noires. J'ai été encouragé à être sensible et à ressentir, contrairement à ce qu'on aurait pu attendre de moi de la part des hommes noirs de ma vie.

Les yeux de vos personnages sont des portails vers leurs univers intérieurs. Comment corréler la relation entre un sujet et ses yeux ?

Les yeux de certaines œuvres représentent les yeux d'une figure maternelle. Lorsque les yeux sont parés de bijoux, ils offrent aux spectateurs l'occasion de s'insérer dans ce monde. Je considère les personnages de nombreuses peintures comme des archétypes, représentant un corps masculin queer noir magique ou mythique cherchant à retrouver ses origines. Ils sont chamaniques en ce sens qu'ils sont des conteurs partageant de petits moments de magie avec le spectateur. L'éblouissement de leurs yeux est alléchant et envoûtant.

Devan Shimoyama, Michael, 2018Avec l'aimable autorisation de Richard Gerrig, Timothy Peterson et l'artiste

Vos personnages sont soit des sujets passifs objectivés par une main maniant un rasoir, soit des figures autonomes affichant des gestes performatifs. Quelles sont leurs histoires ?

Les sujets passifs reçoivent des coupes de cheveux. Quand je réfléchis à mes expériences dans le salon de coiffure noir en grandissant, cela n'a jamais été un endroit sûr pour vraiment m'exprimer. Il y a une forme spécifique d'hypermasculinité pratiquée dans ces espaces, et j'ai souvent ressenti le besoin de jouer le rôle ou de me taire pour ne pas exposer que j'étais queer. En parlant avec d'autres hommes noirs queer dans ma vie, nous avons partagé des expériences de devoir rentrer dans le placard dans ces espaces afin de se sentir un peu en sécurité. Pour moi, les personnages des peintures ont utilisé la projection astrale pour échapper à leur réalité et entrer dans ce fantasme chatoyant et coloré. Les personnages qui affichent des gestes performatifs sont des personnes plus spécifiques dans leurs salles de bain, traitant de leurs rituels de toilettage réguliers entre les visites au salon de coiffure.

Barbershop est une métaphore pour questionner les frontières paradoxales de l'hypermasculinité et de l'espace sûr pour les individus queer. Comment interprétez-vous le musée comme lieu sûr pour votre première exposition institutionnelle ?

C'est une contradiction intéressante qui m'est présentée dans la mesure où c'est certainement un espace où plusieurs personnes circulent, voient le travail et contemplent bon nombre des thèmes complexes que j'explore. Cependant, tant de personnes qui, selon moi, ont besoin de voir cela pour engager un dialogue avec ces thèmes peuvent ne pas aller voir le spectacle en raison du coût, de croyances personnelles ou d'un désintérêt pour les musées et l'art.

Je pense que c'est pourquoi il est si important que cette émission ait une programmation publique et une sensibilisation dans certaines de ces communautés pour interagir avec le public de manière plus active. Je serai en conversation avec Kleaver Cruz le 26 octobre et Rashaad Newsome fera une performance le 12 décembre. The Black Ecstatic: Une soirée de poésie et de cinéma animé par Rickey Laurentiis au Frick Fine Arts Building, qui est co-présenté avec le Center for African American Poetry and Poetics de l'Université de Pittsburgh. Ceux-ci s'étendent Cry Baby dans un dialogue qui a une portée au-delà des peintures sur les murs du musée.

Devan Shimoyama, Tasha, 2018Courtoisie de l'artiste

Reste assis et Biscuit comprennent des tissus tridimensionnels dépassant de la toile. Comment défiez-vous les rituels de la peinture pour construire vos personnages ?

Beaucoup de peintures que je réalise incluent des tissus ou des matériaux en trois dimensions, notamment des bijoux, des poignées de porte, des plumes, etc. Je trouve cela comparable au même processus qu'une drag queen peut utiliser pour se préparer pour un concert. Je crée essentiellement une version glamour, pétillante, magique et fictive de moi-même et des autres. Tout est dans le fantasme.

Les paillettes et les découpes de magazines sont devenues vos matériaux de signature au fil des ans. Comment votre utilisation de ces matériaux a-t-elle évolué au fil des ans ?

Les paillettes étaient une sorte de béquille pour moi, dans le sens où je les utilisais un peu au hasard et maintenant elles ont une multitude de fonctions dans mon travail. Souvent, des touffes ornent les couronnes des personnages dans les peintures, imitant la texture des cheveux noirs. Parfois, ce sont des paillettes noires sur tout l'arrière-plan des personnages, indiquant un ciel nocturne plein d'étoiles, qui a historiquement été utilisé pour trouver des histoires de sens dans notre propre existence en tant qu'humains. Je m'efforce toujours de créer ma propre mythologie ou folklore d'origine du mâle noir queer.

Devan Shimoyama, La prière de Daphné, 2016Avec l'aimable autorisation de Lesley Heller Gallery et de l'artiste

Devan Shimoyama : pleure, bébé est visible au Andy Warhol Museum jusqu'au 17 mars 2019.

Cette interview a été éditée et condensée pour plus de clarté.